Zapomeňte na žebříčky – kritici říkají, že toto bylo 5 nejúspěšnějších sólových kariér 70. let

S 70. léty dlouhými v našem zpětném zrcátku jsou někteří sóloví umělci zřejmými špičkami, ne nutně kvůli tomu, jak se tehdy umístili na žebříčku, ale ve způsobu, jakým je jejich hudba stále aktuální, jak zůstala vlivná a jak tito hudebníci inovovali písničkářství. Existuje mnoho důvodů, proč mohou být umělci kriticky oceňováni, i když neměli všechny hity č. 1 – ne že by to také nemohli mít; někteří ano – ale to není jediné kritérium, na které se díváme jako na známku úspěchu, když se ponoříme do některých z kritiky nejvíce uznávaných sólových umělců 70. let.

Zdejší hudebníci netřeba představovat, ale vyzdvihneme jejich přístupy k jejich řemeslu a to, jak výsledky pomohly utvářet popkulturu, protože zatímco Captain a Tennille byli v roce 1975 nejdéle na prvním místě, tyto kočky neměly žádný skutečný vliv, ne jako Neil Young, Joni Mitchell, David Bowie, John Prine nebo Marvin Gaye. To, co učinilo tyto legendární sólové umělce v 70. letech tak úspěšnými, bylo několik vysoce uznávaných alb, která si vysloužila obdiv kritiků, jiných hudebníků i publika a často ovlivnila, jak jsme přemýšleli o sobě ao světě kolem nás. Dnes se o těchto umělcích stále mluví s úctou. Billboardové hity přicházejí a odcházejí, ale stálá síla a hudební vliv jsou skutečnými známkami úspěchu.

I když Marvin Gaye působil v Motown od roku 1961 a byl úspěšným hitmakerem po celou tuto dekádu, začátkem 70. let byl připraven rozšířit své hudební schopnosti a ponořit se do osobnějšího a smysluplnějšího psaní písní. Otřesený pokračující válkou ve Vietnamu a společenskými a ekologickými problémy dne vytvořil své 11. album „What’s Going On“ s obrovským kritickým a komerčním úspěchem a jeho vliv na umění jako sociální komentář nelze přeceňovat. Další věcí, která z ní udělala takovou výjimečnost, bylo to, že to byl nový druh desky od černošského umělce a Gaye ji napsal i produkoval, což dokazuje jeho tvůrčí schopnosti. Skladby jsou účelné a jako celek znějí jako dokonale kurátorská tapisérie.

V 70. letech Gaye vydal několik dalších alb, včetně toho, co Rock & Roll Hall of Fame nazvala „náladovým mistrovským dílem“, kritikou uznávaného „Let’s Get It On“ z roku 1973, které se více ponořilo do Gayeovy smyslné stránky. Nicméně, jak poznamenala BBC, „Let’s Get It On“ je ikonické, nadšené dílo, ale velmi protkané Gayeovými pochybnostmi a nejistotou, zčásti proto, že Gaye dosáhl vrcholu úspěchu s „What’s Going On“ a bylo těžké vědět, kam jít. Variety říká, že „What’s Going On“ navždy změnilo zvuk R&B,“ a tento druh vlivu spolu s nadčasovostí alba je těžké překonat.

V roce 1971 vydala Joni Mitchell své klíčové čtvrté album „Blue“, důvěrně osobní nahrávku, která si vysloužila velký ohlas u kritiky. Už byla dobře známá jako folk-rocková básnířka s andělským hlasem, ale v 70. letech a počínaje skladbou „Blue“ začala Mitchell prozkoumávat nové cesty s její hudbou, natáčela desky více zaměřené na jazz a experimentovala s jejím textovým obsahem. V roce 1974 měla svůj největší hit na Billboardu s „Help Me“ z alba „Court & Spark“. Tento singl se dostal na 7. místo, ale Mitchellův výstup nebyl nikdy vytvořen pro komerční úspěch, ale spíše pro její upřímné vyjádření jejího řemesla. Kritici si toho všimli, zejména v 70. letech.

Jak zdůrazňuje Pitchfork, Mitchell „následujte[ed] její múza,“ a jejích prvních 10 alb, z nichž většina zahrnuje sedmdesátá léta, patřilo k nejlepším po sobě jdoucím nahrávkám jakéhokoli umělce: „Mitchell byla první autorkou popu, inovátorkou jedinečného talentu, jejíž vliv byl obrovský, bezprostřední… a dlouhotrvající.“ Spisovatelka Pitchforku Jessica Hopperová poukázala na to, že v roce 2012 to byl vliv Mitchell. chatařský průmysl“ je stále vidět u umělců jako Taylor Swift a St. Vincent.

Mitchell v roce 2022 řekla, že si myslí, že zatímco její alba byla kriticky chválena, nezískala pozornost hlavního proudu, kterou by měla mít kvůli hudebnímu průmyslu 70. let, v němž dominovali muži, a řekla: „Lidé si mysleli, že to bylo příliš intimní… Myslím, že to lidi znervózňovalo“ (přes BBC). Ocenila však, že nové generace, které ovlivnila její tvorba, jsou příjemnější konfrontovat své emoce.

John Prine by se dal popsat jako písničkář, typ umělce, kteří rozumí řemeslu, uznávají jako autentický talent. Jeho příběh o hudebním původu to jen podtrhuje. Je zajímavé, že o něm poprvé informoval Roger Ebert v roce 1970 – ano, filmový kritik, který viděl Prine, kde pravidelně hrál na malém místě v Chicagu, když mu bylo 23 let. Už napsal některé ze svých nejoblíbenějších písní, jako například “Angel From Montgomery” a “Your Flag Decal Won’t Get You Into Heaven Anymore.”

Legendární skladatel Kris Kristofferson také slyšel o Prineovi a v roce 1971 ho navštívil v Chicagu v malém klubu, kde Prine pravidelně vystupoval. Kristofferson, který Prine popsal Billboardu jako „žhavější než dvoudolarová pistole v té době“, věděl, že v Prine slyšel něco nového a mimořádného, ​​a vzal ho pod svá křídla. Později téhož roku Prine vydal svou první stejnojmennou nahrávku, po níž následovala další tři alba v roce 1972, 1975 a 1976 a mnoho dalších po 70. letech.

Prine nikdy nebyl mainstreamový hitmaker, ale Terry Roland ze San Diego Troubadour ho popsal v roce 2020, v roce, kdy zemřel, jako „nadčasového tovaryše, který s klamnou jednoduchostí podával zprávy o lidské zkušenosti. Přiměl nás smát se, plakat, přemýšlet a hluboce cítit a vdechoval dech jedinečným zpěvačkám jako Bette Midler (‘Hello in There’), Bonnie A. (‘Paradise’) a George Strait (‘I just Want to Dance With You’), díky síle svých slov a jedinečným výstřednostem v jeho mysli byl ztělesněním tří akordů a pravdy.

Neil Young byl poprvé známý jako člen Buffalo Springfield na konci 60. let, ale jeho sólová tvorba v 70. letech je často považována za jeho sladkou tečku. Young vydal v roce 1970 skladbu „After the Gold Rush“, kterou Classic Album Sundays nazval „snad jeho prvním skutečným mistrovským dílem“, ale album nezaznamenalo mainstreamový úspěch a Rolling Stone jej zpočátku rýsoval. Dnes je však považována za jednu z nejlepších za desetiletí, obsahuje takové písně jako „Southern Man“ a „Only Love Can Break Your Heart“. “Harvest” z roku 1972 upevnila jeho reputaci kritiky uznávaného sólového umělce, i když Rolling Stone tuto nahrávku také neměl rád, když poprvé vyšla. Mezitím Guitar.com nazval album v roce 2021 „geniálním dílem“, což je zajímavé, protože tento výstup uvedl, že Young jednou řekl, že to, jak je jeho hudba „vidět za 30 nebo 40 let“, je to, na čem mu záleží nejvíce.

Young vydal v 70. letech devět sólových alb, nepočítaje vydání s kapelou Crazy Horse. Osm z jeho 11 hitů Billboard jako sólového umělce pocházelo z tohoto desetiletí, přičemž „Heart of Gold“ se umístilo na prvním místě v roce 1972. Jeho další nejvýše hodnocená píseň byla na 31. Jak bylo uvedeno v eseji napsané Fredem Schruersem pro uvedení Youngovy Rock & Roll Hall of Fame, Young byl rozčarován z mainstreamové hudby, takže po „Harvesthead“ řekl, že tam byli „Harvesthead“. lidé.” Odtamtud Young vypěstoval jedinečné dílo, které těžilo temnější místa a stále se vrátilo k rocku s písněmi jako “Like a Hurricane” z roku 1977.

P Susan Lacy, tvůrce a výkonný producent “American Masters”, oceněný cenou Emmy, pěl jeho chválu a řekl: “Nelze popřít Neila Younga jako nejnekompromisnější rockovou královnu hudby. Je to neuctivý básník s rokenrolovým srdcem. Jeho hudba ztělesňuje oblouk amerických zkušeností, zpochybňuje autoritativní názory, vzdoruje” hudebník po celém světě a BS”

David Bowie byl jiný druh hudebníka než ostatní na tomto seznamu, protože jeho umění přesáhlo hranice písničkářství a zahrnovalo velký důraz na jevištní výkon a posouvání hranic konvenční identity. Bowie byl plodný v 70. letech a vydal 11 studiových alb, včetně „The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars“, „Aladdin Sane“ a toho, co se stalo známým jako jeho Berlínská trilogie, „Low“, „Heroes“ a „Lodger“.

Zatímco ostatní umělci na tomto seznamu byli velmi zapleteni do doby, ve které zažívali život, Bowie se díval dopředu a představoval si, co by mohlo být. Jeho nebojácnost ve jménu experimentování mu vynesla publikum fanoušků i kritiků, kteří byli vždy zvědaví, co bude dělat dál. Time napsal: „Sedmdesátá léta zůstávají Bowieho nejvíce vizionářskou érou, dobou, kdy se etabloval jako Nostradamus moderního popu“ pro způsob, jakým se zdál být napřed před nadcházejícími trendy v identitě a způsob, jakým vytváříme své sebeobrazy pro dnešní svět prostřednictvím věcí, jako jsou sociální média.

Co se týče jeho hudby, měla podobné kvality. Robert Hilburn pro Rock & Roll Hall of Fame napsal: “Bowie produkoval jedny z nejproblematičtějších a nejpůsobivějších skladeb moderní popové éry. Bowie psal o děsivých příšerách ve svém vlastním životě ve společnosti, která přehodnocovala své hodnoty, a předznamenal téměř každý důležitý trend v popu – od genderově ohýbajícího zmatku v éře hledání třpytu až po odcizení duše-odcizení.”